ORGANIMIEDADES

PEDRO CUADRA


La figura humana es la figura protagonista en la exposición de Cuadra. La presenta como secciones, mutilaciones en proceso de descomposición, infectas. Parecen cubiertas por otra piel que se va deshaciendo y que las hace evolucionar en seres extrañamente repulsivos.
Contrapone estas corrompidas figuras sobre unos fondos forrados de ricos e indemnes tejidos florares que conforman la composición, participando como base en una diferenciación total de fondo y figura, que sin embargo se conjuga muy bien compositivamente.
La presentación de sus lienzos se realiza en diversos formatos, cada uno de estos diferente, creando incluso trípticos, unidos entre si, en forma de biombo.
La pintura del autor fluye en la forma misma, y no se desprende de ella, aparentando un desgajo formal por sus cualidades pictóricas, purulentas y ulceradas. Los monstruosos personajes deshumanizados e infecciosos se bañan de una pequeña comicidad y gracia, provocando el interés del espectador en conocer esas repudiadas figuras, despertando su compasión.
Una alusión a lo que podría ser la evolución humana hacia la descomposición del ser, en su interioridad, la deshumanización ante el entorno provocada por este mismo.

BLOW UP

Michelangello Antonioni´s

¿Qué vemos y que imaginamos?, ¿Cuál es la verdadera realidad y la falsa ficción?, ¿Dominamos nuestra mente o es ella la que nos domina? El dominio del entorno y su variabilidad juega un papel determinante en el film de Antonioni´s, el artista nos propone sumergirnos en una realidad paralela que nos haga plantearnos estas cuestiones en torno al dialogo continuo entre el individuo y el entorno.
Desarrollado sobre una critica a la frivolidad del pop, el arte popular oficial convertido en el glamour permanente. La película se proyecta en el ambiente londinense de la época de los sesenta, en el que se reflexiona sobre los escritos de Julio Cortazar, jugando con el existencialismo basado en una estética pop determinante en toda la película: música, actitud, estilismo, entorno….
Mediante la narración tradicional de los sucesos se vale de la temporarizacion extensa, pausado, dejando al actor protagonista sentir, emocionarse…, en largas secuencias, para descifrar ese sentido existencialista; el carácter narrativo se reduce, prefiriendo lo poético, detenido en observaciones de espacios, sensaciones de los personajes….
El montaje esta determinado por la época, con la alternancia diversa de planos sin gradación, con altibajos. Acelerado en las destacadas demencias de la época y ralentizado en las vivencias más humanas y en las que mas aportan a la vida.
Ofrece un discurso abierto donde propone un planteamiento de tipo filosófico en el que se plantea la cuestión de la propia experiencia de la visión de la realidad.

LA PIEL DE LA TIERRA

El espacio artístico Arrabal & Cía ofrece la muestra de las creaciones fotográficas y audiovisuales de la artista madrileña Mar Garrido.
Una veintena de imágenes fotográficas inspiradas en la figura del membrillo, tan sugerente en el mundo del arte, revelan el enlace entre el fruto y la tierra.
Desde el crecimiento en el árbol, el membrillo se va transformando por sí solo, pero es en su caída, cuando contacta con el entorno. La tierra lo acoge, lo envuelve, lo relaciona, junto al resto de las hojas, el agua, los frutos, los animales…los seres vivos que conforman el manto acogedor de la tierra.

Se muestran pequeños fotogramas de su vida en los que su hábitat evoluciona junto a él, creando un vínculo de transfiguración conjunta. Y son las hojas las que cambian de color, y el agua la que se va absorbiendo, y la tierra la que se va fusionando; y el membrillo el que va creciendo, el que va tornando su cromatismo amarillento, y se va blandeando, corrompiendo, se va consumiendo por el paso del tiempo y la influencia de su entorno, que lo madura y lo destruye: una alegoría de la vida y su evolución.

Igualmente en las cinco muestras audiovisuales ofrece una visión del reflejo de lo humano en la naturaleza, una metáfora que interrelaciona la morfología humana, fisiológica y psicológica, en pequeños detalles de belleza que brinda el ecosistema. Los pistilos de una flor o el incesante oleaje que desgasta la tierra…insignificantes fragmentos de la vida que crean una asombrosa metáfora de lo humano. Porque todos somos lo mismo, provenimos de lo mismo y acabaremos en el mismo lugar.

NICOLAS DE STAËL

La realidad transformada en los paisajes fragmentados forma simetrías que transfiguran la materia en mundos surgidos de esta misma.
En sus primeras telas muestra figuras geométricas, puntiagudas y equilibradas gracias a las formas simples.
Nunca realiza una abstracción estricta, se destaca por la diversidad de tonos en los grises entre marañas de tramas lineales. Espesas capas de pasta pictórica en tonalidades muy simples y bastoncillos que pasan a ser planos de color en masa.
Mas adelante el azul comienza a formar parte de sus tonos preferidos y el estrechamiento de la superficie que concentra la mirada como en una espiral.
Su pintura es su liberación, la de su interior y la de lo sentido en su exterior.
Su obra acerca a los mosaicos sicilianos a través de las pequeñas formas cuadradas acumuladas en el lienzo. Origina formas figuradas de conciertos, naturalezas, esparcidas mediante espátula. Escenas animadas que miran a la tradición para poder romperla y que en zonas forme parte de su obra. Partiendo de un dibujo correcto iba deshaciendo las estrictas líneas mediante la espátula llenando el espacio con la materia esparcida.
Simplicidad figurativa que reúne la posibilidad de evocar todo lo reunido en ella.
Paisajes armónicos y sólidos compositivamente centrados y dinámicos.
Lo llena una obsesión por lo frontal y lo vertical que se presenta continuamente en sus obras, todo ordenado y profundo en sus naturalezas muertas. La luz se adentra en sus obras y se descubre ante el color fulgurante transcribiendo colores inspirados en los paisajes italianos captando la esencia de lo exterior.
Construye su propio paisaje a través de los bastoncillos y el color vivo y oscuro de otros tiempos aflora la sencillez de lo anterior y la naturalidad de lo bucólico. En sus últimas obras la música llena su inspiración temática en representaciones de pianos.

XXL ARTE

La selección que se muestra en la sala de exposiciones de Santa Fe ofrece una visión de las obras pictóricas de la actualidad más latente y de los creadores más cercanos, como los propios alumnos de la Facultad de Bellas Artes de Granada.
En la exposición se percibe la entidad de cada artista y la originalidad de su aportación, en la diversidad de medios y modos de configurar la obra. Sobre nuevos materiales inauditos que aportan al lenguaje plástico calidades intrínsecas. Demostrando que en la creación artística la expresión se demuestra en todos los ámbitos que conforman la obra para hacer llegar al espectador su más fiel y profundo sentimiento. Destacando una obra realizada sobre un tejido que se utiliza como funda de colchón sobre el que se dibuja una anciana amamantando a un bebe recién nacido que mancha la añeja y arrugada tela estampada. Y una fotografía a color en la que un cuerpo femenino ofrece la invención de una morfología humanoide a través del body painting inundando desde el centro una visión clásica transformada y misteriosa.
El resto de las obras incorporan cada cual una técnica distinta, desde la tinta de un bolígrafo con la que se construye toda la obra a través de tramas entrecruzadas; las transferencias fotográficas sobre medios pétreos; o la mixtura de la fotografía con la materia pictórica intercalando fondos de color decorando el espacio compositivo con una sola línea equilibrada.
Esta colección de obras se recrea en una compilación de gran diversidad que ofrece una gran oportunidad de conocer a los jóvenes creadores que despiertan en el mundo del arte para mostrarnos su visión y nuevas cualidades, demostrando la amplitud de posibilidades del gran soporte, asombroso no solo por su tamaño sino por su calidad y su singularidad.

PROYECTO PINTURA

En el arte la mayor posibilidad de expresión es la que enlaza con lo íntimamente conocido, lo personal expresado universal. La alianza de lo externo y lo interno en este caso se muestra a través de una relación de género; la feminidad. Un carácter no solo basado en la calidad del ser como mujer, sino en todo lo que la hace sentirlo a ella, y a él. Y una especificación dentro de esta temática que puede resultar muy amplia seria, para así hacerla de interés universal, la de la finalidad de todo ser humano, el placer; los placeres femeninos. Culmen y beneficio de todo ser y por el que lucha en el transcurso de la vida. Visionado mediante sus opuestos, internos y superficiales basados en las teorías filosóficas de Sigmund Freud y en obras de artistas como Cindy Shermann.
El planteamiento de un proyecto para todo un curso lo he basado en un asunto de interés personal, que deja la posibilidad de profundizar y conocer a través cuestiones propias y adquiridas del entorno, abierto a posibles variaciones dentro del mismo tema.

Recuerdos encadenados Anna María Guasch

Reflejos condicionados Miroslaw Balka (Varsovia, 1958)


El ímpetu de rememoración de sucesos marca la exploración de la obra de Balka, abarcando todos los sentidos de un determinado suceso explotando la memoria.
En su exposición Reflejos condicionados del 2006 en la Fundación Marcelino Botín de Santander, evoca sucesos tales como las huellas del holocausto a modo de marca personal que debe perdurar, mostrando lo histórico a través de lo cercano.
La imagen de un paisaje helado convierte la entrada en un espacio envuelto en misticismo y destruido en su memoria con el sonido del juego, de risas infantiles, que desubican la B forjada, en iconicidad con la escritura que se encontraba en la entrada del campo de concentración de Auswicht.
Es el espectador quien conforma a obra en la pasarela de acceso a la exposición, una plancha de acero que cual prisioneros caminan hacia su exterminación, e igualmente se estremecen ante el desagradable ruido del metal. Todo se transmite en un ambiente oscuro y vacío en la que el espectador marca su desarrollo, en un pasillo de madera en el que la luz se enciende al paso del público, que lo dirige a la sala central, donde esquelas en papel forman cadenas que se distribuyen en todo el espacio, evidenciando el refuerzo de su fragilidad.
El sopor de la memoria es medio para despertar la moralidad y el olvido social, haciendo participes a los sentidos, enlazando lo personal y lo humano, sumergido en lo historicista y destacable en el mundo de las emociones, la vida.