AGNES MARTIN

La artista canadiense se encuadra dentro del mínimal y la expresión radical de los elementos elementales y se distingue por su mirada alejada de la típica concepción minimalista.
Su obra nace de la observación de los espectadores, adquirida y sentida de esta manera, de la espera de una visión de la naturaleza y las sensaciones fluyentes, candentes en los escenarios naturales.
En sus primeros años de exploración busca, con la lección de Rothko y Newmann, en los campos de color intensificados en espiritualidad.
Evoluciona en una trama que a modo de retícula se superpone en sus baños de color, siempre en tonos neutros, grises, blancos manchados, azules…, que elevan su obra a la calidad de mística, donde fluidas líneas paralelas organizan en una campo de color que fluye en el espacio.
El rectángulo se apodera de sus creaciones y se abre ocupando su obra donde ahora el color ofrece vibraciones mas calidas en intimas con sus océanos rosas.
En un momento de su vida decide abandonar la pintura y se retira a la búsqueda de vivencias lejanas de la congestionada ciudad, al mundo rural.
Su retorno y arrepentimiento muestra una sensibilidad desarrollada con ordenaciones de bandas de color que serenan en un silencio espiritual eliminando su característica retícula dejando fluir las energías pictóricas en el lienzo de una pureza casi infinita con un mínimo contraste en colores pastel y blancos mas sosegados.

PETER HALLEY

Su primer contacto con el arte fue con los conceptos de La Bauhaus, uniendo sus raíces neoyorquinas a una de las bases del arte europeo.
Matisse y Picasso influyen mucho en sus obras tanto que se obsesiona con el geometrismo durante sus viajes por Europa, y a la vuelta a Nueva York el pop se fusiono con todos estos afluentes en el cauce de su obra.
Lo industrial y geométrico se mezclan con el color contrastado en una figura base de su obra, el cuadrado.
Espacios abiertos, cerrados, conectados por conductos; reflejando la sociedad industrial que invadía su entorno. Y los destacados colores, fluorescentes, destacan lo industrial e iluminan su obra.
Con pequeños cambios las creaciones se transforman y la invade una nueva expresión. Sus perfectamente geometrizadas figuras muestran una textura grotesca en la cercanía, como un cúmulo de grumos que le aportan en su aparente simplicidad un significado mas profundo comparados con la sociedad industria que se forma como una gran aglomeración indistinta; un panel lleno de abejas pero geométricamente perfecto.
Evoluciona en una ampliación colorista y formal redirigiendo sus formas básicas y significando los colores contrapuestos en una composición perfecta, siempre en una asimilación con la ciudad y su ordenación.
Continuamente se acompaña de proyectos complementarios, en este caso unas obras tridimensionales, contraponiendo creaciones en fibra de vidrio trabajadas como escenografías del cine, de las series televisivas….
Una conjunción de la simplicidad hecha luz y color compositivos generando ritmos divergentes y variopintos en una mezcla de influencias tan distintas como el arte de La Bauhaus y el Pop Art americano.

CLIFFORD STILL

Su ímpetu es demostrar el papel significante de la pintura.
Desde pequeño las artes llenaban su vida y profundizó en el estudio de los elementos pictóricos.
En sus inicios se relaciona con el surrealismo en sus temas de pesadilla. Esculpía con la espátula su materia terrosa abstrayendo su contenido.
Más adelante sus trabajos sobre lienzos preparados mediante encolado, lo que le aporta un fondo brillante a sus telas bañadas con colores terrosos.
Durante nueve años se mantuvo al margen de exposiciones. Muy dedicado a sus cuadros, entregado a ellos y a su tarea de convertirse en un gran artista.
La búsqueda de asociación se nublaba pero para los críticos se podría enlazar a las llanuras del oeste. Enlace cercano a lo dramático, una metáfora sobre la aspiración al cielo y hacia la luz.
Controlaba totalmente sus obras, estricto en su venta, su exposición casi nunca en común, ofreciendo su vista a los únicamente interesados y comprensivos. Negaba los premios y gratificaciones económicas.
Esboza su reseña más realista en sus creaciones de formas humanas. Estas referencias se van desvaneciendo para llegar a convertirse en símbolos significativos y toscos. Una semifiguración con residuos realistas. Para alcanzar la fluidez de su obra mas característica va tejiendo pinceladas conjuntadas para mas adelante simplificar en una atmósfera oscura su visión artística. Cercano a la total monocromía mostrando sus mezclas pictóricas que se unían a una complejidad conceptual añadiendo pequeñas manchas que acentúan la composición.
En los cincuenta alcanza la cumbre de su carrera con la verticalidad expandida en la horizontal. Obras en las que los gestos se señalan a modo de rasgaduras, dejando parte de la tela como parte de la obra y utilizando pigmentos molidos por el mismo para que el reflejo de la luz en el pigmento aportara brillantez a su obra.
Uno de los expresionistas abstractos americanos que destacaba por singularidad pictórica y personal.

Secuencia de imagenes (video-creación)

Proyecto para video-creación

El paso del tiempo va transformando a las personas, y esos cambios se hacen visibles en el cuerpo. El momento en el que el organismo sufre un mayor trastorno es en la pubertad. Un gran paso en la vida en un corto periodo de tiempo, pues la transformación inminente física y psíquica provoca la conversión de un niño en un ser adulto.
Es la mujer quien sufre ese trastorno a temprana edad y soporta cambios importantes. No solamente cambia la constitución durante la adolescencia, también surgen nuevos sentimientos, extrañas sensaciones que se alteran y confunden constantemente.
Demuestra la fragilidad del cuerpo frente a lo desconocido e inesperado de cada día, de cada momento, la incertidumbre ante lo ajeno. La visión de un reflejo que nos muestra un ser en proceso, a medio realizar, que no se asocia, que no es niña ni mujer y resulta ambas a la vez. Una principiante que se siente señalada, pues lo corporal la domina mediante una imagen desconocida de si misma, confundida por pensamientos incógnitos entrecruzados, peleando por su niñez dominada por el mundo inexplorado de la madurez. Un proceso que conforma la dualidad de la pureza infantil y la liviandad del adulto.

“Salvajemente bella, virginal belleza,
la pubertad convertida en mujer,
motivación y pasión desenfrenada,
silueta angelical, diosa profanada.
Amando hasta el infinito,
desbordada por el instinto,
locura provocada por la pasión,
delirio compartido por objeción”.
Ashuraoh

ORGANIMIEDADES

PEDRO CUADRA


La figura humana es la figura protagonista en la exposición de Cuadra. La presenta como secciones, mutilaciones en proceso de descomposición, infectas. Parecen cubiertas por otra piel que se va deshaciendo y que las hace evolucionar en seres extrañamente repulsivos.
Contrapone estas corrompidas figuras sobre unos fondos forrados de ricos e indemnes tejidos florares que conforman la composición, participando como base en una diferenciación total de fondo y figura, que sin embargo se conjuga muy bien compositivamente.
La presentación de sus lienzos se realiza en diversos formatos, cada uno de estos diferente, creando incluso trípticos, unidos entre si, en forma de biombo.
La pintura del autor fluye en la forma misma, y no se desprende de ella, aparentando un desgajo formal por sus cualidades pictóricas, purulentas y ulceradas. Los monstruosos personajes deshumanizados e infecciosos se bañan de una pequeña comicidad y gracia, provocando el interés del espectador en conocer esas repudiadas figuras, despertando su compasión.
Una alusión a lo que podría ser la evolución humana hacia la descomposición del ser, en su interioridad, la deshumanización ante el entorno provocada por este mismo.

BLOW UP

Michelangello Antonioni´s

¿Qué vemos y que imaginamos?, ¿Cuál es la verdadera realidad y la falsa ficción?, ¿Dominamos nuestra mente o es ella la que nos domina? El dominio del entorno y su variabilidad juega un papel determinante en el film de Antonioni´s, el artista nos propone sumergirnos en una realidad paralela que nos haga plantearnos estas cuestiones en torno al dialogo continuo entre el individuo y el entorno.
Desarrollado sobre una critica a la frivolidad del pop, el arte popular oficial convertido en el glamour permanente. La película se proyecta en el ambiente londinense de la época de los sesenta, en el que se reflexiona sobre los escritos de Julio Cortazar, jugando con el existencialismo basado en una estética pop determinante en toda la película: música, actitud, estilismo, entorno….
Mediante la narración tradicional de los sucesos se vale de la temporarizacion extensa, pausado, dejando al actor protagonista sentir, emocionarse…, en largas secuencias, para descifrar ese sentido existencialista; el carácter narrativo se reduce, prefiriendo lo poético, detenido en observaciones de espacios, sensaciones de los personajes….
El montaje esta determinado por la época, con la alternancia diversa de planos sin gradación, con altibajos. Acelerado en las destacadas demencias de la época y ralentizado en las vivencias más humanas y en las que mas aportan a la vida.
Ofrece un discurso abierto donde propone un planteamiento de tipo filosófico en el que se plantea la cuestión de la propia experiencia de la visión de la realidad.